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recensioni di Luca Barachetti – lucabarachetti@gmail.com

Archive for settembre 2009

I segreti del corallo – Moltheni (La Tempesta/Venus, 2008)

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«L’altra notte mentre uscivo fuori dalla discoteca è passata a quattro metri la mia vita / camminava col bicchiere e un vestito nero mi ha guardato ma non mi ha cagato»: l’incipit (splendido) di Vita rubina annuncia il settimo capitolo dell’avventura musicale di Moltheni, sempre più affezionato a quel recupero del folk americano delle origini che oltreoceano sta facendo la fortuna di gente come Devendra Banhart, Marissa Nadler, Josephine Foster e chi più ne ha più ne metta. Ma Umberto Giardini dà a queste influenze un’impronta che scontorna i brani verso geometrie più pop, lasciando intatto quel carisma da ottimo scrittore di melodie (a cui fa da supporto una resa vocale sempre più emozionante) che gli è proprio fin dagli esordi pur discontinui di “Natura in replay”. Sull’onda del precedente ep “Io non sono come te”, I segreti del corallo è comunque il suo disco più analogico e “legnoso”, che sposta il perfetto bilanciamento tra folk e pop di “Toilette memoria” verso il primo dei due piatti (la crepuscolare Corallo, la brumosa Ragazzo solo, ragazza sola), conforme a quell’andatura che fin dagli inizi lo ha visto sempre in perenne mutazione ma anche in collegamento con ciò che è stato.

E proprio rispetto a “Toilette memoria”, ad oggi il suo capolavoro, “I segreti del corallo” subisce uno scarto, leggero ma percepito, non reputabile tanto ai giochi di bilancia di cui sopra ma più semplicemente alla qualità della tracklist, che parte all’apice con la cavalcata dagli echi post di Vita rubina (fraseggio di chitarra reiterato e trascinante, testo da brividi, uno dei suoi brani migliori) e rimane sempre piuttosto in alto, in primis su L’amore acquatico e sulla lamentazione di piano circolare con strepiti di slide e tastiere di Verano. Ma, come dire, “Toilette” ha una marcia in più.

Non rimane dunque che segnalare tutte le ulteriori variazioni oltre a quelle già dette, a partire da una maggiore presenza di chitarra elettrica, organo e piano accanto ad acustica e rhodes – aggiunte che determinano l’incedere evocativo dello strumentale Che il destino possa riunire ciò che il mare ha separato e il tentativo psych della placida Oh, morte – fino alla rilettura di due brani da “Splendore terrore”: In porpora, rifatta (meno bene) su una pulsazione di basso monocroma, e Suprema ripresa (meglio) in coda, a mo’ di ballad settantiana. Momenti transitori di un lavoro che pare anch’esso di passaggio, ma che non avrà sicuramente un ruolo minore nella discografia del titolare.

Voto: 7.6
Brani migliori: Vita rubina, L’amore acquatico, Verano.

Written by Luca

30/09/2009 at 08:11

Sushi & Coca – Marta sui Tubi (Tamburi Usati/Venus/Warner, 2008)

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E dopo la batteria – inserita in pianta stabile a partire dal predecessore “C’è gente che deve dormire” – i Marta sui Tubi si presentano ai nastri di partenza di Sushi & Coca con un nuovo innesto. Trattasi del pianoforte (ma anche hammond e violino) di Paolo Pischedda, che porta a quattro il numero dei componenti del gruppo siculo-bolognese-milanese, arrivato al suo terzo lavoro in studio dal 2003 ad oggi. Sono ancora quelli di “Muscoli e Dei” i Marta, ma alla loro indole pop sempre alla ricerca di strutture poco rassicuranti e fortemente espressive (anche nei testi, dove la parte fonetica conta almeno alla pari dei contenuti) aggiungono in pianta stabile nuove influenze, tanto ambiziose quanto ben gestite, che fanno di “Sushi & Coca” il loro disco migliore.

Il piano di Pischedda intrufola ovunque può sequenze jazzate dall’andatura circolare, talvolta spasmodiche e altrove evocative; le ritmiche solide di Ivan Paolini dettano e spezzano i tempi dando a tutti i brani una sostanzialità vitale nella resa live; il chitarrismo di Carmelo Pipitone, sempre all’acustica, dispone nervosissime ripetizioni folk e stralci più rallentati (mentre alla voce sono affidati soprattutto bisbigli quasi subcoscienziali); Giovanni Gulino usa tutta la sua ugola robusta lasciando che l’interpretazione vada teatralmente sopra le righe quando è il caso. Se dovessimo trovare un riferimento per questi Marta sui Tubi l’unico reale è all’art-rock nostrano di Arti e Mestieri, Biglietto per l’Inferno e – con le dovute proporzioni non solo vocali – Area, ma con lo spirito che è proprio del gruppo dalle origini, a partire dalla volontà di fare canzoni chiuse, spesso anche brevi. Da ciò derivano i due-tre colpi di reni del disco, sintomi di una creatività che viene a patti con le regole della musica pop negandole senza rinnegarle. In ordine di apparizione: le corde schizofreniche e il drumming serrato di Cinestetica; la trovata geniale di un coro di bambini che cantano e urlano entusiasti su Non lo sanno; il disincanto e la rabbia di Dio come sta? dove forza immaginifica e vigore prog-jazz trovano una sintesi rara nel mantra in coda («la paura degli esseri umani è paura di essere umani»).

Un passo indietro (ma solo uno), l’accattivante e fumettistica L’unica cosa, il miscuglio zappiano di Dominique e la giaculatoria d’amore-odio verso Milano di Milano Sushi & Coca dimostrano che l’ispirazione dei Marta sui Tubi non è episodica, ma sostiene un mondo musicale sfaccettato, gustosamente fantasioso, anche divertente. Destinato a moltiplicare ancora di più i propri versanti nelle prossime uscite.

Voto: 8.2
Brani migliori: Cinestetica, Non lo sanno, Dio come sta?.

Written by Luca

30/09/2009 at 08:05

Da solo – Vinicio Capossela (Warner, 2008)

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Se “Ovunque proteggi” è stato il disco della rappresentazione, delle maschere indossate in concerti-performance dove il palco diveniva prima di tutto scena, con Da solo – settima fatica di una carriera quantomai in crescendo – Vinicio Capossela prova una via diversa, non del tutto opposta ma certamente più sobria, dove l’evocazione non affianca (a volte surclassandola) la sostanza delle canzoni ma ne diventa strumento e appoggio. La mitologia e l’invenzione pura lasciano il posto all’ambientazione misurata, che si nutre sì di immaginario senza però strafare; dunque Capossela non più come un novello Salgari della canzone o un Jules Verne a spasso per lo spazio e il tempo, e neanche come un personaggio che gioca le sue magagne alla roulette della fantasmagoria più accesa, ma un uomo che paga i debiti maturati con sé stesso e con chi gli sta attorno attraverso una manciata di canzoni nate asciutte sui tasti di un pianoforte e cresciute con le briglie di un’essenzialità comunque fantasiosa e multiforme.

Il Gigante e il Mago fa da ponte con il passato nel suo saliscendi tra solennità da chiesa quacchera e l’incantamento di un teatrino circense, mentre un organo mighty Wurlitzer unisce il tutto sfiatando legnoso. In clandestinità è Capossela doc, ballata a fil di lacrima lucidata da glockenspiel, toy piano e fiati gioiosi ma purtroppo un po’ trasparente. Più fortuna per Parla piano, che concede il bis su tonalità più chiaroscurali, e con una batteria riverberata a iniettare solitudine verso l’apertura del ritornello – una delle cose più melodicamente “italiane” che il nostro ha scritto fino ad oggi. In controcanto, Una giornata perfetta saltella e fischietta come un Chaplin spensierato prima che tornino le solite disgrazie e Il paradiso dei calzini racconta insieme ai giocattoli di Pascal Comelade la solitudine degli spaiati senza compagnia nell’atmosfera fiabesca di un Rodari in surplus «di napisan o di cloritina».

Giusto a metà, mentre il livello si mantiene buono ma senza picchi, il capolavoro del disco: Orfani ora, con la sua melodia cinematica che odora di strade desolate dopo la pioggia e i versi a fare da nucleo centrale di un disco fino a qui impregnato di abbandono e non meno da qui in poi, quando lo sguardo di Capossela si sposterà maggiormente sulla realtà intorno. Succede – dopo la parentesi natalizia da camino e castagne di Sante Nicola – per Vetri appannati d’America, ritratto contemporaneo e decisamente centrato degli States della cintura biblica, dei centri commerciali immersi nel nulla e delle taglie oversize elette a primo paradigma sociale. E poi per Lettere di soldati, seconda perla dell’album in cui una cantilena di piano descrive al meglio la paranoia e la nostalgia di casa di chi spende tre-quattro anni della sua giovinezza a presidio di un check-point.

Le tracce rimanenti ricalcano con una leggera flessione verso il basso le cose buone della prima parte del disco, tra tinteggiature noir-fantasmatiche (Dall’altra parte della sera), Spoon River polverose come un romanzo di Cormac McCarthy (La faccia della terra, coi Calexico) e inni religiosi di inizio novecento che chiudono “in verticale” confermando una tensione verso l’alto in filigrana anche nel predecessore (Non c’è disaccordo nel cielo).

“Da solo” forse non ripeterà i fasti di “Ovunque proteggi” – e d’altra parte non ne ha la stessa potenza, preferendo insinuarsi piano piano e intimamente sotto pelle – ma pare segnare finalmente l’affrancamento totale di Capossela dall’ombra lunga di Tom Waits. Se a ciò aggiungiamo che il nostro in diciassette anni di musica non ha ancora fatto un disco non diciamo brutto, ma neanche mediocre, viene difficile anche questa volta non tributargli, pur senza spellarsi le mani, un meritato applauso.

Voto: 7.8
Brani migliori: Parla piano, Orfani ora, Lettere di soldati.

Written by Luca

29/09/2009 at 14:33

Procurarsi Guanxi – Fou (Novunque/Self, 2008)

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Una voce maschile ed una femminile, l’impronta indie-rock anni novanta con qualche synth a scontornare i watt delle chitarre, il gusto per le liriche citazioniste e (finto?)-intellettuali, a volte anche autoironiche. Paragonare i Fou di Procurarsi guanxi ai primi Baustelle è cosa da un attimo, ma del tutto diverso è il contesto in cui nascono le canzoni di Tony T. e compagnia rispetto a quelle della band di Montepulciano. Non nelle stanze buie di un qualche riformatorio di provincia e neanche in una discoteca accasata sulle stelle in cui rifugiarsi e riprendere a ballare canzoni fuori moda. Ma nella Milano universitaria del duemilaotto, tra quartieri cinesi, happy hour non troppo felici a causa di rapporti umani ridotti a grado zero – vedasi il titolo: il “guanxi” altro non è che il clientelismo alla cinese – e «kebab nel quartiere Isola pagato con i Ticket Restaurant» (Ultimo kebab). Contesti dove i Fou ambientano i loro bozzetti elettrici, trascinati – è proprio il caso di dirlo – dalle voci indolenti e indolenzite dei due cantanti. Verificarli dal vivo sarà la prima cosa che faremo dopo aver chiuso la recensione di questo disco, basato su una manciata di (buone) canzoni già sentite in un demo-ep non in commercio circolato l’anno scorso – da cui però non è stata presa la migliore di quel lotto: “Tracce” – e su sei brani del tutto inediti che confermano lo spessore del gruppo. Spessore che nel prossimo disco andrà ricalibrato su distanze maggiori dai mentori toscani, ma che per ora ci lascia abbastanza soddisfatti all’ascolto dell’accattivante e robusta Estinzione di un magnete, dell’inno d’amore catodico Mivar e soprattutto di una Editing che coglie stralci di vero lirismo in un testo taglia-incolla tipo “Tungsteno” degli Scisma. Daniele Carretti degli Offlaga Disco Pax al pianoforte in Edmundo.

Voto: 7.0
Brani migliori: Ultimo Kebab, Editing.

Written by Luca

29/09/2009 at 14:31

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Mondo | Madre – N.A.N.O. (Fosbury Records/Audioglobe, 2007)

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Sciolti i C.O.D. dopo l’esauriente “Preparatevi alla fine” del 2005, Emanuele Lapiana torna alla musica sotto l’acronimo puntato di N.A.N.O., non tralasciando il solito approccio “particolare” alla musica che fu del gruppo originario. Mondo ׀ Madre emulsiona amore sintetico ma riscaldante tra le pieghe sempre più alienanti della fredda post-modernità globalizzata, un lavoro (cito dal booklet) «scritto e suonato su un PC portatile in giro per il mondo tra il 2004 e il 2006, in stanze d’albergo, aeroporti, uffici, sale d’attesa», che mischia pop ed elettronica in canzoni rotonde ed evocative nate a Tokyo come a San Francisco o a Dubai. Puro artigianato da laptop insomma quello di Lapiana, il quale però si risparmia un po’ troppo sulla cura dei suoni spesso prevedibili, un difetto che annulleremmo volentieri se anche le canzoni non girassero ogni tanto a vuoto. Nonostante ciò qualcuna coglie nel segno e fa emergere dall’aurea volutamente cosmopolita e asettica del disco (Mondo) qualche rinfrancante bagliore di carne e sangue (Madre). Accade nell’ammaliante A.N.N.A. – un Riccardo Sinigallia tra pop e rap in piena mania digitale – e in L’assenza, che chiude il lavoro vibrando su poche note di tastiera con la voce del titolare alienizzata come il Brian Eno di “Another day on earth”. Ma la canzone migliore, lo scommettiamo, sarebbe stata quella Madrid frammentata in tre brevi tracce fra le quattordici del disco. Sminuzzatura voluta o bozzetti mai finiti ma comunque da conservare? Difficile dirlo, certo è che in entrambi i casi viene voglia di incollare insieme le tre parti per supplire a ciò che N.A.N.O. non ha potuto o voluto fare. Completa il tutto un booklet (bello ma fin troppo denso) di fotografie, grafiche, stralci di diario, versi e testi dei brani.

Voto: 6.3
Brani migliori: L’assenza.

Written by Luca

29/09/2009 at 08:31

Les 7 vies du chat – Grimoon (Macaco Records/Shinseiki/Audioglobe, 2008)

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I Grimoon per la loro seconda prova, dopo il più che convincente “La lanterne magique” di due anni fa, lasciano a casa la parte visuale del progetto e si concentrano su quella musicale, dando un contorno più netto alle loro canzoni scritte in lingua d’oltralpe, grazie anche al supporto uno stuolo di ospiti che varia i ranghi del combo italo-francese fino al limite del progetto aperto. Les 7 vies du chat racconta di gatti rivoluzionari e di circhi – con relative storie d’amore a bordo pista finite nel sangue – riempiendo l’aria di atmosfere tra il sognante e il nero, mescolando folk alla Yann Tiersen (Mme Bateau) con ballate elettriche dal passo scanzonato e infilando qua e là brevi o lunghe dilatazioni strumentali che riaffermano il carattere soprattutto evocativo della musica del gruppo. Produce ancora una volta Giovanni Ferrario e fa un lavoro come si deve, dando la giusta grana a tutte le continue variazioni, minime ma fondamentali, di influenze e generi portate all’ovile dai tanti invitati.

I Tre Allegri Ragazzi Morti suonano e cantano La compagnie des chats noir traducendola poi in italiano a fondo disco; Marta Collica scrive in inglese e canta il testo della fuga stellare Space puppy’s head; Pall Jenkins e Scott Mercado dei Black Heart Procession iniettano tinte scure nella circense e macabra Cirque Funambules (tradotta in italiano dai Mariposa con finale beffardo: «il governo ha stanziato finalmente i fondi per le piccole etichette indipendenti»); stessa cosa fanno i nostrani Lo.Mo per Voyage en solitaire su testo firmato e interpretato dal cantante francese Thibaut Derien: traccia quest’ultima che contende a L’amour vague e al suo psych-folk sui generis con coda di synth, cori e fiati (il Maestro Enrico Gabrielli) la palma di brano migliore dell’intero disco. I Grimoon si confermano ottimo prestito del cinema alla musica pop contemporanea.

Voto: 7.4
Brani migliori: Voyage en solitaire, L’amour vague.

Written by Luca

29/09/2009 at 08:19

Dandelions on Fire – Simone Massaron & Carla Bozulich (Long Song Records/Audioglobe, 2008)

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Gli amanti del blues più viscerale, fumoso e storto dedichino qualche minuto alle righe che seguono. Carla Bozulich non è italiana (città di nascita New York, Stati Uniti) ma italiani lo sono tutti gli altri nomi che partecipano a questo progetto. In primis il chitarrista Simone Massaron, qui alla sua seconda prova dopo l’esordio con “Breaking News” di tre anni fa, e con lui uno stuolo di validi musicisti circuitanti nella scena indie, avant e jazz del nostro Paese: da Zeno De Rossi (batteria, Vinicio Capossela), agli ex Afterhours Xabier Iriondo (chitarre e tahai metak, da alcuni anni alle prese con diversi progetti sperimentali come Uncode Duello, Polvere) e Andrea Viti (basso) – più organo, piano e cello che appaiono qua e là. La Bozulich dal canto suo è una delle regine della scena blues-sperimentale d’oltreoceano – gli amanti di sopra non si lascino scappare i suoi lavori più recenti: “Evangelista” e “Hello, Voyager”, quest’ultimo uscito a nome Evangelista – e la partecipazione a questo disco non può che essere per Massaron un vanto, soprattutto perché Dandelions on fire è un signor lavoro.

Rispetto alle uscite in proprio o a nome Evangelista, qui la Bozulich tiene quasi sempre a freno la sua vena più sperimentale a favore di un pugno di ballate piuttosto “rotonde” e tradizionali, sempre in bilico tra blues e folk, in cui però non mancano mai particolari raffinatezze o stravaganze che connotano i singoli brani. E d’altra parte tradizionale ma al contempo raffinato e personale è il chitarrismo di Massaron, che mette al servizio dei brani le sue corde una volta sferraglianti un’altra malinconicamente acustiche dando ad ogni traccia, grazie anche al contributo degli altri partecipanti, un profilo netto. Marziale e palpitante Never say your face, tenue e dal retrogusto mariachi (ma senza alcuna “messicaneria” di sorta) la title-track, odorante di praterie e crepuscoli Love me mine, languida ma via via sempre più nervosa The getaway man, dolceamara Here in the blue, fumosa e a suo modo circense My hometown.

Discorso a parte invece per Five dollar lottery, Baby, you so creepy e I saw him, che lungi dal voler apparire come canzoni fatte e finite sono in realtà vere e proprie improvvisazioni in cui vengono mischiati scampoli psichedelici, bassi geometrici, rumoristi di varia natura strumentale, vocalizzi e sospiri tra il mistico e il disperato, umori elettrici e ritmiche stentoree. Il risultato? Mai sopra le righe e anzi spesso di grande intensità. Stupefacente se non sapessimo chi è Carla Bozulich e se non cominciassimo ad intuire quanto di buono potrà venire ancora dalla chitarra di Simone Massaron.

Voto: 8.0
Brani migliori: I saw him, Never say your face, My Hometown.

Written by Luca

25/09/2009 at 11:45